Unknown Woman è una delle performance che compongono Spellbound 25, trittico a firma di Mauro Astolfi, Marcos Morau e Marco Goecke creato nel 2020 in occasione dei festeggiamenti per il venticinquennale di Spellbound.
Il solo è pensato e creato per la danzatrice Maria Cossu, un racconto serio ed immaginario allo stesso tempo, un raccoglitore di memorie e di pensieri di quello che è accaduto tra l’artista in scena e il coreografo Mauro Astolfi in 20 anni di collaborazione e di condivisione.
Una narrazione danzata di molti momenti passati insieme in sala prove e sul palcoscenico.

Coreografa vincitrice dell’edizione 2022 della Vetrina FLIC*25, Noemi Piva con il suo nuovo duo in PRIMA NAZIONALE vuole indagare, partendo dalla matrioska, oggetto che mette a disposizione di un’idea la sua natura estremamente metaforica, la figura materna e la ricerca del sé in relazione ad essa per poi permettere a fantasie, immagini e significati altri di stratificarsi e convivere al suo interno.
“Per effetto matrioska si indica un qualsiasi oggetto o processo ricorsivo i cui elementi si ripropongono uguali a sé stessi, annidandosi l’uno dentro l’altro potenzialmente all’infinito.”
La scena si apre su un paesaggio surreale in cui ogni elemento è foderato dallo stesso materiale a pattern. Una stanza verde accoglie due figure apparentemente identiche ma con ruoli distinti: generatrice e generata (bambole ai vertici della matrioska) si incontrano, fondono e confondono dando consistenza ad una serie di situazioni attraversate le quali si prende gradualmente coscienza dell’esistenza di un mondo fuori. Un “intorno” differente rispetto a quella che fino ad allora appariva come unica realtà plausibile.
La stanza diviene allora custodia dell’inconscio, luogo in cui marinare nella solitudine e in cui confrontarsi con sé stessa e l’altra, forse amica immaginaria, forse stessa identica persona.
In una situazione di claustrofobica reclusione ci si scopre giocando e si procede, un passo per volta, verso quel “fuori” immaginabile al di là della stanza da giochi, prigione color pastello, utero materno.
Un luogo sconosciuto in cui esistere al di là delle predeterminazioni che hanno segnato l’esistenza delle due fino a quel momento, in cui essere figlie ancor prima che madri, e donne ancor prima che figlie.
Alla fine sarà possibile spingere lo sguardo oltre quei confini prima illusoriamente invalicabili, lasciare la stanza e scoprire cosa c’è, FUORI.

Lo studio è incentrato sulla battaglia continua tra il nostro corpo fisico e il nostro spirito eterno. Gli interpreti cercano una pacifica convivenza come se ci fossero due grandi lupi che vivono all’interno di ognuno di loro: uno bianco, l’altro nero. Se scelgono di nutrirli entrambi, non lotteranno mai per attirare la loro attenzione e potranno usarli ognuno dei due nel modo più necessario. Dal momento che non ci sarà guerra tra i due, si potrà ascoltare la voce più profonda della propria coscienza. Coesistono due grandi forze dentro di noi e se le consideriamo con uguale rispetto, saranno entrambe vincenti e convivranno in pace. Un uomo che ottiene la pace interiore ha tutto. Un uomo che è lacerato dalla guerra che si combatte dentro di lui, è niente. Mi domando: come sta andando questa battaglia per ciascuno di voi?

Una performance in tre atti che dal formato video iniziale sfocia in una più ampia lecture per affrontare la questione dello sguardo nelle sue implicazioni personali, identitarie e sociali, invitando chi osserva a condividere punti di vista differenti che contemplino pluralità di corpi, di esperienze, di storie e di identità.
Un autoritratto dell’interprete Diana Anselmo, ma anche un più ampio atto di scardinamento di convenzioni e abitudini che, utilizzando il tema dello sguardo – proprio, subìto e riappropriato, mette in discussione pratiche abiliste consolidate.

Cinque corpi differenti tra loro esposti allo sguardo del pubblico.
Una ‘sfida’ lanciata ad un’abitudine consolidata: la tendenza a giudicare un corpo con disabilità partendo da una presunta diagnosi medica e non dalla conoscenza e dalla relazione con la persona stessa. Una performance che crea volutamente una situazione anomala ed extra-ordinaria dal punto di vista estetico, politico ed emotivo, suscitando pensieri ed emozioni sulle tante questioni tuttora aperte legate ad accessibilità e (pre)giudizio.
Freak Out!!!!! è un progetto/performance volto a favorire l'accessibilità alle attività dello spettacolo dal vivo da parte di artistə con disabilità, promosso da Laagam (Lombardia), insieme a Centro ArteMente (Lombardia), I Cinque Sensi (Abruzzo), Cornelia (Campania), Italìa & Co (Calabria), Factor Hill (Puglia), Danzeventi (Sardegna), con il sostegno del Ministero della Cultura.
Prendendo le mosse dal freak show storico che esibiva persone, o animali, dall’aspetto insolito o anomalo con l’obiettivo di attirare e impressionare gli spettatori, il progetto vuole suscitare domande e riflessioni sul tema della disabilità e delle rappresentazioni e autorappresentazioni che si fanno oggi del corpo con disabilità in Italia.

Graces è un progetto ispirato ai concetti di bellezza e natura e alle sculture che Antonio Canova realizzò tra il 1812 e il 1817 raffiguranti le 3 figlie di Zeus Aglaia, Eufrosine e Talia, creature divine che diffondevano splendore, gioia e prosperità.
In scena tre corpi maschili, i danzatori Siro Guglielmi, Matteo Marchesi e Andrea Rampazzo, dentro un’opera scultorea che simboleggia la bellezza in un viaggio di abilità e tecnica che li porta in un luogo e in un tempo sospesi tra l’umano e l’astratto. Qui il maschile e il femminile si incontrano, lontano da stereotipi e ruoli, liberi, danzando il ritmo stesso della natura.
In scena anche la stessa Gribaudi che ama definirsi “autrice del corpo” perché la sua poetica trasforma le imperfezioni elevandole a forma d’arte con una comicità diretta, crudele ed empatica in cui non ci sono confini tra danza, teatro e performing arts. Graces è realizzato anche grazie allo sguardo registico e visivo di Matteo Maffesanti, regista, formatore e videomaker.

From C. to You è una lettera che sa di confessione. In uno stanzone buio si susseguono ombre e suggestioni appartenenti ad un inconscio condiviso. Immagini frammentate prendono vita guidate da frasi e domande che brillano su un display. Sono pensieri casuali che potrebbero appartenere ad ognuno di noi. Sono le parole che scegliamo di non dire tutte quelle volte che decidiamo di spegnere quella fastidiosa vocina nella testa.
Un uomo totalmente nudo di schiena, un ritorno al primordiale, un’assenza di sovrastrutture sociali. È Caino? Adamo? Abele? Un jukebox di pensieri che vanno e vengono su frequenze sbagliate. Frammenti di danze, parole e canzoni senza soluzione di continuità. Cos’è la violenza? Cos’è violento? Chi lo è?
È il luogo dove finiscono i pensieri che non confessiamo a nessuno, un viaggio all’interno del labirinto della mente di un uomo qualsiasi, un flusso di coscienza in movimento che sfida il voyeurismo del pubblico. Mettere in luce ciò che dovrebbe rimanere al buio.
Da qualunque istinto e pensiero si può fuggire.

LO SPETTACOLO CONTIENE NUDO INTEGRALE

A LOT OF si ispira a L’Après-midi d’un Faune, balletto coreografato da Vaslav Nijinsky nel 1912.
L’autore nell’opera originale affronta il tema della pulsione sessuale non controllabile da cui scaturisce un enorme senso di colpa. Nei suoi Diari, scritti sette anni dopo il balletto, si evince che il coreografo si è ispirato alla sua stessa relazione con Djagilev di cui era amante, da cui il suo contrasto interiore.
La riscrittura contemporanea di Abbattista e Consalvo è un viaggio attraverso la pulsione di due uomini: nessuna ninfa in scena, al centro soltanto due creature primitive, a tratti mitologiche, che sognano, desiderano, si uniscono per un obiettivo comune, provano a desiderarsi ma è soltanto un tentativo. L’oggetto del desiderio non è lì con loro, è altrove.
Lungo il cammino uno diventa l’ostacolo dell’altro, un ostacolo amato e odiato, utilizzato per raggiungere il proprio scopo.